Month: Dicembre 2017

La mostra alle Gallerie d’Italia “L’ultimo Caravaggio, eredi e nuovi maestri” ci fa capire gli sviluppi della pittura in Italia nel 1600.

Caravaggio è stato determinante per tutti gli artisti che lo hanno conosciuto. Un artista simile destabilizza ancora oggi…figuriamoci i suoi contemporanei!

La mostra si snoda geograficamente tra tre importanti città: Milano, Genova e Napoli.

Esposte troviamo moltissime opere (di artisti italiani e europei) commissionate originariamente o solo collezionate dai grandi appassionati d’arte di Liguria e Lombardia.

All’inizio del 1600 Genova e Milano sono entrambe importanti ma con due tipicità molto differenti tra loro soprattutto se pensiamo ai loro rapporti con la Spagna: Genova è una città ricca, sfarzosa, una Repubblica che intrattiene stretti rapporti economici con la Spagna mentre Milano ne subisce la dominazione.

In questo periodo quindi dobbiamo necessariamente immaginare un intenso movimento di artisti e committenze tra queste grandi città. Gli esponenti della ricca aristocrazia genovese come i Doria, gli Spinola, i Marino  prediligono artisti milanesi per le loro collezioni d’arte, artisti genovesi vengono a Milano per studiare la pittura lombarda e artisti lombardi si recano a Genova per lavorare a commissioni in chiese e palazzi privati.

Ma il patriziato genovese ha molti rapporti anche  con Napoli città vivace e popolosa capitale del vicereame spagnolo anche perché Madrid ha assegnato feudi e proprietà in cambio di prestiti ricevuti dalle grandi famiglie dei banchieri genovesi. Genova e Napoli poi intrattengono da sempre relazioni commerciali grazie agli scambi marittimi.

Solo intorno al 1630 la peste metterà un freno a tutto questi movimento artistico che crea automaticamente una sorta di sperimentazione e di contaminazioni artistiche tra queste tre regioni regioni.

Vi propongo tre percorsi, tre chiavi di lettura di questa mostra (complessa e non di immediata fruizione). Un filo, anzi tre fili che legano  tra loro opere affiancate già in mostra o comunque paragonabili tra loro e confrontabili in maniera diretta per stile, soggetti e contaminazioni.

I richiami a Caravaggio spesso sono diretti, a volte sono quasi un voler imitare con reverenza, altre volte invece lo stesso soggetto viene realizzato tenendo ben presente la lezione caravaggesca…ma facendo l’esatto opposto in netta contraddizione.

 

1- Tre opere con lo stesso soggetto, realizzate negli stessi anni, tre artisti  e tre rese finali molto differenti!

La Sant’Orsola di Caravaggio

è già quasi morta, un fantasma  che viene trafitto a morte e a sorpresa da una freccia che la colpisce perché non ha ceduto ad Attila. Le ombre sono ovunque, specchio dell’andamento tragico della vita del pittore.  Attila viene raffigurato sulla sinistra, in abiti secenteschi, il volto quasi già pentito dal gesto appena compiuto. La santa invece non mostra dolore ma rassegnazione al proprio destino. Caravaggio si autoritrae nell’uomo che regge la santa e ha il volto con la bocca socchiusa per lo stupore e il dolore quasi fosse stato trafitto dalla stessa freccia. L’opera viene inviata da Napoli a Genova (in mostra è esposta la lettera, del 1610, che la accompagna) al committente Marco Antonio Doria.

La Sant’Orsola di Bernardo Strozzi

ci fa chiaramente capire quanto l’opera di Caravaggio avesse colpito anche questo artista che infatti ne fa una versione piuttosto simile per la posizione dei personaggi ma ottenendo risultati finali molto differenti. Qui la Santa viene colpita al petto con la freccia ma il suo colorito è roseo, lo sguardo mostra la tipica espressione estatica del martirio barocco più che reale dolore. I colori sono accesi, l’ombra meno incombente, la scena nel suo insieme è meno tetra e drammatica di quella caravaggesca.

La Sant’Orsola di Giulio Procaccini,

pittore bolognese  molto attivo a Milano, richiama l’opera di Strozzi più che l’originale di Caravaggio (per colori ed espressioni)  ma il risultato è opposto alla naturalità tragica e drammatica caravaggesca. La scena è quasi un balletto elegante, ritmi contrapposti bilanciati, i due personaggi principali sono  inquadrati da vicino. Il grande arco taglia quasi in due la scena  e il gesto che scocca la freccia è talmente esasperato da aver portato la mano destra di Attila addirittura fuori dall’inquadratura dell’opera!

2- Tre opere di importanti autori stranieri che sono venuti in Italia in questi anni (tra il 1620 e il 1640) e sono rimasti affascinati ed influenzati dalla pittura di Caravaggio e che a loro volta hanno lasciato il segno in tutta la pittura italiana del secolo

Simon Vouet, Davide con la testa di Golia, 1621.

Il pittore francese dipinge quest’opera mentre è a Genova per il committente Giovan Carlo Doria. La scena è tranquilla, quasi serena. La scelta del soggetto immortalato non nel momento cruento della lotta ma appena dopo, a vittoria conquistata, dipende forse dai gusti stessi del committente. Viene rappresentato il momento del riposo dopo lo scontro. Davide tiene in mano la testa, enorme, del gigante Golia, morto. La figura emerge dal buio grazie alla luce divina che lo illumina dall’esterno…è la luce di Caravaggio, è il nero del pittore lombardo che viene qui citato anche nell’inquadratura che ricorda molto altre opere caravaggesche come ad esempio due famosi “doppi caravaggeschi” proprio con lo stesso soggetto: uno del 1606 e uno del 1609

Peter Paul Rubens, Giovan Carlo Doria a cavallo, 1606.

Finalmente possiamo conoscere il volto di uno dei maggiori committenti e collezionisti di questo periodo! Questo illustre personaggio è qui ritratto a cavallo, un animale immenso, da battaglia, possente. Rubens è uno dei maggiori pittori fiamminghi di sempre e tra il 1600 e il 1608 soggiorna tra Venezia, Mantova, Roma e Genova.  Il cavaliere è sereno e imponente tanto quanto il cavallo è focoso e sembra quasi sbucare dal dipinto correndo dritto addosso allo spettatore (e scavalcando il cagnetto che abbaia sotto alle sue zampe!). In quest’opera l’artista nasconde parecchi elementi simbolici che fanno diretto riferimento alle virtù del Doria, come l’aquila (emblema della famiglia ma anche simbolo di coraggio e lealtà), la croce, simbolo dell’Ordine di San Giacomo di Compostela (conferito ai fedelissimi degli Asburgo di Spagna) e il cane, simbolo di assoluta fedeltà. Dianamismo e naturalezza ma anche questo senso tutto barocco per la pittura scenografica sono alla base di tutta l’arte di questo periodo! Piccola curiosità: questo dipinto venne acquistato da Hitler durante un’asta del 1940 a Napoli proprio su suggerimento di Mussolini e venne in seguito restituito alla fine della guerra.

Matthias Stom, Saul fa evocare Samuele dalla pitonessa di Endor, 1639-1641.

Le opere dell’olandese Stom appena arrivano a Genova (da Napoli dove le ha realizzate) fanno immediatamente scalpore addirittura più di quanto fosse riuscito a fare lo stesso Caravaggio. Sono scene realizzate al lume artificiale con  forti effetti di chiaroscuro dato proprio dalla scelta di rappresentare spesso scene notturne illuminate “dall’interno” cioè da una luce realmente presente nell’inquadratura. In questa scena re Saul chiede ad una maga  di evocare lo spirito di Samuele per avere qualche previsione circa l’esito della guerra contro i Filistei.

3. Una sola immensa opera con un soggetto molto conosciuto: L’ultima cena

Ultima cena, Giulio Cesare Procaccini, 1618.

Esposta dopo tre anni di restauro è un’opera immensa: 38 mq!  Originariamente dipinta per il refettorio del convento della Santissima Annunziata del Vastato a Genova è stata poi spostata nella chiesa. Il riferimento immediato è ovviamente all’ultima cena di Leonardo, viene infatti rappresentato lo stesso momento, quello in cui viene rivelato agli apostoli che uno di loro tradirà Gesù e quindi le emozioni e i sentimenti vengono rappresentati qui così come fece in maniera assolutamente innovativa Leonardo nel Cenacolo. Gesù è quasi sereno tanto quanto gli altri personaggi sono scomposti. Le figure sono leggermente più grandi del vero (e anche del tavolo che stanno utilizzando) proprio per rendere l’immagine più scenografica seguendo il gusto barocco. Verso la fine del 1600 i frati concessero il trasferimento dell’opera nella chiesa così da preservarne anche la conservazione decisamente a rischio nel refettorio a causa dei fumi della cucina. Il trasferimento però richiedeva misure differenti: lo spazio a lei dedicato era più grande, dentro una cornice in stucco dorata. L’opera viene così ampliata su tutto il perimetro e nella parte superiore viene aggiunta proprio una parte di soffitto con lampadario anche per rendere più realistica la scena perché a quel punto la posizione risulta ben più in alto che nel refettorio. In mostra troviamo anche il bozzetto preparatorio (che di bozzetto ha ben poco…è praticamente la stessa scena perfettamente dipinta in piccolo formato!), sia nel bozzetto che nell’originale i colori sono molto accesi e brillanti ed è per questo che vengono paragonati alla grande pittura rinascimentale veneta. Ho trovato particolarmente interessante la parte dedicata al restauro, in mostra c’è una sezione con filmato che ci spiega non solo l’allestimento nelle Gallerie di Italia ma proprio tutta la parte di ripulitura e restauro delle parti  rovinate nel corso dei secoli. La tecnica  utilizzata è quella che prevede una serie di piccoli tratteggi con colori ad acqua (eventualmente removibili senza creare danno all’opera) a copertura delle parti mancanti. Piccola curiosità: a causa delle dimensioni notevoli l’opera per essere maneggiata (spostata, restaurata ecc) è stata arrotolata attorno ad un enorme cilindro e via via srotolata con l’aiuto di parecchie braccia!

Il biglietto di ingresso all’esposizione “Dentro Caravaggio” di Palazzo Reale dà diritto all’ingresso ridotto a 5 euro alla mostra “L’ultimo Caravaggio. Eredi e nuovi maestri”.

Orari
Da martedì a domenica dalle 9:30 alle 19:30 (ultimo ingresso alle 18:30)
Giovedì dalle 9:30 alle 22:30 (ultimo ingresso alle 21:30)
Chiuso il lunedì e il 25 dicembre.

Aperture straordinarie:
– Mostra e collezioni permanenti: 26 dicembre 2017, 6 gennaio 2018, 2 aprile 2018.
– Solo mostra: 24 e 31 dicembre 2017 fino alle 18.00 (ultimo ingresso alle 17), 1 gennaio 2018 14.30 – 19.30 (ultimo ingresso alle 18:30).